青花釉里红不是两种颜色的平均分配。蓝多红少，红就成了点景；红多蓝少，器物会显得燥。永明尚玩做这一路器物多年，系列换了几个，配色上的原则却没怎么变：红要少，要准，要落在关节上。

宝相纹系列的红落在花心。宝相花层层展开，花瓣向外铺，视觉中心就在花心那一点，红放在那里，整朵花就转起来了。缠枝牡丹系列的红落在花头，牡丹本身饱满，红色铺开也不显轻浮，反而压得住缠枝的繁密。

大吉大利系列的红落在鸡冠与荔枝。鸡冠是活物身上最鲜的一处，荔枝是果实最艳的一处，两处都不大，却都在观者的视线路径上。这种安排不是随手，是把红色当标点来用：一句话里只需要一个逗号，多了就读不通。

蓝的角色是托底。青花负责枝叶、山石、水纹与翎毛，用分水的浓淡拉开层次。浓处要沉，淡处要透，中间那几层过渡最考验功夫——过渡生硬，画面就分成前后两块；过渡过软，又没有骨。

留白是第三种颜色。器身上不画的地方，其实也在参与构图。红与蓝挤在一起，画面会闷；留出一线空白，气才走得通。永明尚玩的器物多在口沿、足际与画面转接处留白，作用是让眼睛有地方歇。

看图的时候，可以留意画面的“重”落在哪里。好的青花釉里红，重色总在结构上，比如花心、鸟首、石根；重色散在边角的，多半是构图没想清楚。这一点在照片上也能看出来。

历史上有过参照。明宣德时期的青花釉里红，红多作点缀，蓝占主导，画面因此显得安静；清代一些作品反过来加重红色，视觉更热烈，也更难烧。永明尚玩取的是前一种分寸，红始终是画里的重音，而不是底色。

器型不同，红的位置也要挪。盖碗是环视的，红要能在转动中反复出现；主人杯是近观的，红可以集中一处，让人一眼看到；壶承是俯视的，红要铺得开，又不能压住中心。同一套配色方案，换一个器型就得重新排一次。

配色最终要过火这一关。出窑时红若偏移半分，原来的比例就散了：红淡了，压不住蓝；红黑了，整件器物都跟着沉。所以配色从来不只是画稿上的事，它要一直管到窑门打开的那一刻。